J’ai récemment demandé à un ami, qui travaille du côté éditorial de l’industrie musicale, de partager ses réflexions sur l’une de mes photographies prises lors d’un concert de flamenco. Sa réponse a été une analyse profonde et approfondie, que je vais épargner les lecteurs en entier. En bref, cependant, il a salué l’éclairage comme particulièrement efficace pour la photographie de flamenco, notant comment l’effet de chiaroscuro rappelle les peintures classiques du Caravage. En ce qui concerne la composition, il a observé que le corps du Baillaora remplit le cadre dynamiquement, sans jamais se sentir à l’étroit. Dans sa conclusion, il a remarqué que l’image capture l’âme même du flamenco. Aussi flatteuse que soit ce commentaire, je dois admettre qu’aucune de ces considérations n’était consciemment présente au moment de la capture. Immergé dans le flux de la musique et de la danse, j’ai simplement réagi instinctivement quand quelque chose a «cliqué» et j’ai pris la photo – juste une fois, sans recourir au mode rafale.
Ce préambule un peu long sert à introduire le sujet de base de cet article: la prolifération de vidéos « Tips and Tricks » sur les plates-formes de partage de contenu, prétendant enseigner une meilleure composition, une gestion des caméras, une gestion de l’éclairage, etc. Channe YouTube ou profil de réseautage social pour «enseigner» aux autres comment prendre une photo.
Pour être concis, mon opinion – et je souligne, c’est mon opinion personnelle – est que ce matériel fonctionne souvent comme un outil d’auto-promotion (et de monétisation) pour ceux qui le font. En revanche, il s’avère d’une utilisation limitée et peut même être préjudiciable au développement d’un style photographique personnel. C’est pourquoi, en règle générale, j’étiquete comme «non intéressé» chaque vidéo où quelqu’un essaie de «vendre» un appareil photo ou de faire semblant «d’enseigner» quelque chose tout en faisant passer pour «Smartguy» dans des vidéos où il prend des photos aléatoires en faisant semblant d’être un « expert ».
Les lecteurs qui ont eu la patience de suivre mes articles précédents sur 35 mmc sauront que je crois fermement qu’une bonne photographie est née non seulement de la compétence technique, mais surtout d’un esprit instruit – qui a absorbé, pendant d’innombrables heures, les principes esthétiques incarnés par les peintres, les sculpteurs et les architectes. En d’autres termes, une photographie émerge de l’interaction synergique entre la mémoire musculaire nécessaire pour faire fonctionner la caméra sans effort et la profondeur culturelle qui permet de reconnaître «le moment».
Certes, les règles doivent être apprises avant de pouvoir être enfreintes. Des conseils sont nécessaires pour éviter les erreurs de base. Cependant, la véritable innovation en photographie jaillit rarement de l’application mécanique des règles. Passer du temps à chercher des lignes et à composer des cadres sans un sentiment d’esthétique cultivé peut donner des images techniquement compétentes mais émotionnellement stériles.
Enfin, je veux dire clairement que mon point n’a rien à voir avec la «perfection» ou le «perfectionnisme» comme objectif de la photographie. Je ne me soucie pas vraiment de ces objectifs «ultimes» qui peuvent, prétendument, être atteints en suivant ces conseils en ligne, car je me concentre uniquement sur l’amélioration personnelle. Ce qui compte, ce n’est pas si une photo remporte un prix dans un concours ou obtient un tas de likes sur un réseau social. Ce qui compte, c’est que c’est mieux que celui que j’ai pris hier et pire que celui que je prendrai demain.
Bien sûr, le côté commercial de cet argument est très différent, mais c’est un sujet pour un autre article.
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